Notas de prensa - El primer blog de notas de prensa y comunicados de prensa

La escultora multidisciplinar Maku, incluida en el prestigioso índice global "Artists of the World" (AOW)

Thu, 25 Jun 2026 09:34:40 +0200

En el marco de la catalogación internacional del arte contemporáneo, se ha verificado la integración de la artista española Inmaculada Lara Cepeda, conocida artísticamente como Maku, en el índice global "Artists of the World" (AOW), Artistas del Mundo. La inclusión fue efectuada de manera autónoma por la editorial científica alemana De Gruyter, figurando como un registro consolidado en su base de datos técnica desde el año 2021.

Este índice está considerado en el ámbito institucional como el registro documental de artes visuales más extenso del entorno académico y profesional. La indexación de un creador en activo —gestionada bajo criterios de evaluación internos y sin posibilidad de postulación comercial— supone la validación de su trayectoria en los canales oficiales de documentación. La ficha de la autora, estructurada en alemán e inglés para plataformas de consulta científica, la identifica como escultora.

Contexto: ¿Qué es "Artists of the World"?
Gestionada internacionalmente por De Gruyter, esta plataforma digital es la evolución del histórico archivo impreso alemán Allgemeines Künstlerlexikon (AKL) y se define por las siguientes características técnicas:

Dimensión global e histórica: contiene información biográfica autorizada de más de 1,26 millones de artistas de diversas épocas y procedencias geográficas.
Apertura disciplinar: incluye a creadores de las distintas ramas de las artes visuales, tales como pintura, escultura, arquitectura, fotografía, videoarte, diseño gráfico e instalaciones.
Criterios de inclusión: para figurar en este registro cerrado, el equipo de documentalistas evalúa de forma independiente que los artistas cuenten con participación en exposiciones de relieve, obra en colecciones o museos, o bien que sean objeto de interés para la historia del arte.
Uso profesional estándar: es la herramienta de referencia utilizada por museos, universidades, historiadores y expertos del mercado del arte para la verificación de datos y trayectorias.

Dinámica de control técnico independiente
El inventario de De Gruyter se rige por una estricta política editorial de independencia comercial: no acepta solicitudes de inscripción de creadores, propuestas de terceros ni abonos de tarifas. La incorporación la deciden en exclusiva sus documentalistas mediante el rastreo y vaciado de boletines oficiales de cultura, registros de patrimonio público y catálogos institucionales.

Una vez abierto, el censo tiene carácter permanente. El motor de búsqueda adscribe el perfil de Maku al censo histórico de su localidad natal, Tomelloso (Ciudad Real) junto a otros artistas como Antonio López.

Una trayectoria multidisciplinar en el circuito europeo
La carrera de Maku se define por su carácter interdisciplinar. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Técnica Superior en Artes Aplicadas a la Escultura por la Escuela de Artes de Ávila, su producción abarca la escultura monumental, el arte sonoro, la performance, la poesía y la pintura.

Su perfil artístico cuenta con trayectoria institucional. Fue miembro de la segunda promoción de la Fundación Antonio Gala y, con residencia en Berlín, se encuentra integrada en el tejido artístico alemán como miembro de la federación GEDOK Berlín y de la BBK Berlín (Asociación Profesional de Artistas Visuales de Alemania).

Asimismo, cuenta con la acreditación de la Asociación Internacional de Artes Plásticas (IGBK / UNESCO), la Asociación Internacional de Escultores Monumentales (AIESM), la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE), AVAM y MAV.

Su obra pública monumental en piedra y hormigón incluye piezas permanentes como "Tren" (Salamanca), "Papiroflexia I" (Pontevedra), "Bella Quiteria" (Albacete), "Istmo" (Segovia) y la serie "Happy Machine" (Almería y Portugal).

Acerca de Maku Art Studio
Espacio de producción y gestión de la obra de la escultora y artista multidisciplinar Inmaculada Lara Cepeda (Maku). El estudio coordina sus proyectos institucionales, exposiciones y obra pública.

Sitio web oficial: https://makuartart.com/

TarsLab presenta NÚCLEO en Russafart 2026: instalación inmersiva, luz y sonido en el corazón de Russafa

Fri, 05 Jun 2026 12:42:43 +0200

TarsLab, el laboratorio digital de experimentación artística de TARS Design, participa esta semana en la 18ª edición de Russafart con NÚCLEO, una instalación inmersiva de luz y sonido creada específicamente para la Nave Cultural 3 Ribes del Parque Central de Valencia. La pieza forma parte de FLUXØ, el programa de arte tecnológico comisariado por el colectivo cisma.art dentro del festival, y se presenta junto a las obras Stack Mundi de Solimán López y Photon de Space Circles.

La inauguración tendrá lugar este viernes 5 de junio a las 19:00 horas en la CC Nave 3 Ribes (C/ Filipinas S/N, 46006 Valencia), con acceso gratuito hasta completar aforo. La instalación permanecerá abierta el sábado 6 de junio de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00, y el domingo 7 de junio en el mismo horario de mañana y de 17:00 a 20:00.

Una obra concebida para el espacio
NÚCLEO es una instalación site-specific que investiga el diálogo entre dos tecnologías lumínicas de naturaleza opuesta: el láser y el LED. El núcleo físico de la pieza es un volumen suspendido compuesto por 150 tubos LED RGB de emisión 360°, colgados de una estructura de truss y configurados en una formación densa que recuerda a un organismo celular en suspensión. Desde las cuatro esquinas del espacio, otros tantos sistemas láser de 10W dirigen sus haces hacia ese cuerpo central, generando un campo de interacción visual en constante evolución.

La obra no se limita a lo técnico. Conceptualmente, NÚCLEO propone una metáfora sobre el encuentro entre lenguajes distintos: la precisión geométrica y lineal del láser frente a la naturaleza difusa y envolvente del volumen de LED. De esa tensión inicial surge, progresivamente, una coreografía de luz que avanza hacia estados de sincronía y equilibrio. El paisaje sonoro, diseñado como una capa espacial que acompaña la evolución visual, refuerza la percepción de la instalación como un organismo vivo que respira y se transforma.

El espectador no observa la obra desde fuera: se sitúa dentro del campo de interacción lumínica y sonora, y la pieza se revela de forma diferente según su posición y movimiento en el espacio.

TarsLab: donde el diseño se convierte en experiencia
TarsLab es la división de investigación y creación artística de TARS Design agencia valenciana especializada en diseño, producción e instalación de espacios para ferias y eventos corporativos a escala internacional. El laboratorio nació para explorar los límites entre arte, tecnología y arquitectura, desarrollando entornos audiovisuales e interactivos en los que la luz y el sonido funcionan como materia plástica. NÚCLEO es un paso natural en su línea de investigación sobre experiencias sensoriales inmersivas.

Sobre Russafart
Russafart es una bienal de arte contemporáneo celebrada en el barrio de Russafa de Valencia en los años pares. En su 18ª edición, el festival congrega a más de 300 artistas en más de 70 espacios del barrio, con acceso libre y gratuito durante tres jornadas. La organización corre a cargo de la Asociación Russafart e Imprevisual Gestión Cultural.

La exposición solidaria "Inaccesible al desaliento III" amplía su estancia en Max Center Barakaldo

Mon, 01 Jun 2026 09:02:43 +0200

La exposición solidaria "Inaccesible al desaliento III", del artista JJCuper, ha sido prorrogada en Max Center Barakaldo, ampliando la oportunidad de descubrir una propuesta singular que combina creatividad, reciclaje y compromiso social.

La muestra reúne más de sesenta obras de pequeño formato realizadas principalmente mediante la técnica del collage, utilizando materiales reciclados y objetos cotidianos que encuentran una nueva vida convertidos en arte. A través del humor, la ironía y la reflexión, las piezas invitan al visitante a observar la realidad desde perspectivas inesperadas y a cuestionar algunos de los temas más presentes en la actualidad.

Ubicada en la planta baja de Max Center, la exposición destaca por su carácter accesible y familiar, así como por la originalidad de unas creaciones que incorporan elementos interactivos y sorprendentes. Muchas de las obras incluyen mensajes inspiradores o reivindicativos, otras, códigos QR que descubren su intencionalidad, algunas incorporan sonidos o movimiento. Y todas ellas integran objetos cotidianos reutilizados y resignificados, convertidos en parte esencial de la narrativa artística.

Además de su propuesta creativa, "Inaccesible al desaliento III" mantiene su vocación solidaria. El 100 % de la recaudación a través de la venta de las obras se destina a cinco entidades sociales: el Club de baloncesto femenino de Barakaldo, la Asociación Enfermos Renales ALCER Bizkaia, la Federación vizcaína de Deporte Adaptado, la Asociación de cooperación ADECO y la Asociación Parkinson Bizkaia ASPARBI. La propuesta es que cada persona seleccione su pieza favorita, decida el importe y a qué entidad quiere donarlo, abonándoselo directamente a la entidad.

Con esta propuesta, JJCuper reafirma su apuesta por un arte cercano, participativo y comprometido, capaz de generar sonrisas, reflexión y apoyo a causas sociales a través de la creatividad.

La prórroga de la exposición permitirá que más personas puedan disfrutar de esta iniciativa que une arte, artesanía, sostenibilidad y solidaridad en un mismo espacio.

Además, la muestra comparte ahora espacio con la exposición fotográfica "Enkarterri en femenino: mujeres empoderadas en el medio rural", que da visibilidad a las mujeres en el medio rural encartado.

La entrada es gratuita y la sala puede visitarse de lunes a sábado, de 10:00 a 22:00 horas hasta el 31 de julio.

Basilea: cuando el arte deja el museo y se convierte en ciudad

Fri, 08 May 2026 09:00:58 +0200

En Basilea, basta cruzar un puente sobre el Rin para cambiar de siglo. Literalmente. De un lado, las colecciones que han definido la historia del arte europeo; del otro, edificios que parecen adelantarse a lo que está por venir.

Esa convivencia —tan natural que casi pasa desapercibida— es lo que ha convertido a la ciudad suiza en uno de los enclaves culturales más singulares de Europa. Con más de 40 museos en un entorno urbano relativamente pequeño, Basilea concentra una densidad cultural poco habitual, reforzada además por el impacto internacional de Art Basel, que cada año la sitúa en el centro del circuito artístico global.

Aquí el arte no se organiza en un único recorrido. Ni falta que hace. Aparece, se cruza, cambia de escala. A veces está en una sala, otras veces en un edificio entero.

Instituciones como el Kunstmuseum, uno de los más antiguos del continente, o la Fondation Beyeler, donde la arquitectura de Renzo Piano acompaña a algunas de las piezas clave del arte moderno, forman parte de ese mismo tejido. No funcionan como paradas aisladas, sino como partes de algo más amplio.

Y luego está el Vitra Campus. A pocos kilómetros del centro, pero en otra lógica. Lo que fue un espacio industrial se ha convertido en un conjunto de edificios firmados por arquitectos como Herzog & de Meuron o Frank Gehry. Aquí no se entra a ver "una colección". Se camina, se observa, se va entendiendo poco a poco. Casi sin darte cuenta.

Es en ese paso —del cuadro al espacio, del museo a la arquitectura— donde Basilea se vuelve especialmente interesante.

Esa forma de moverse por la ciudad es también la que empieza a trasladarse a algunos viajes culturales. Menos itinerarios cerrados, más lectura del lugar.

En esa línea se sitúa la propuesta desarrollada por Mundo Amigo, que plantea Basilea no tanto como una sucesión de visitas, sino como un recorrido que se va construyendo a medida que se avanza.

"Basilea no es una ciudad que se pueda entender a través de visitas aisladas. Tiene sentido cuando empiezas a ver cómo se relacionan entre sí los museos, la arquitectura y el contexto en el que están. Ahí es donde el viaje cambia", explica Mikel González.

A esa mirada se suma también la de Natalia Núñez, historiadora del arte y creadora del proyecto digital Parte del Arte, desde el que acerca obras y movimientos artísticos a una audiencia amplia con un lenguaje más directo.

Durante el recorrido, su papel no es tanto guiar como acompañar desde otra perspectiva: abrir conversaciones, conectar ideas, proponer lecturas que no siempre están en los textos de sala. Una forma distinta de acercarse al arte que no sustituye a la mirada académica, pero sí la amplía.

En Basilea, todo eso encaja. Porque el arte no está en un solo sitio. Está en cómo se relacionan las cosas entre sí. Y ahí es donde el viaje deja de ser solo un recorrido para convertirse en otra cosa.

Divinia.art ofrece impresión bajo demanda de arte religioso

Tue, 21 Apr 2026 10:50:06 +0200

Existe una pregunta que muchos artistas especializados en arte sacro se han hecho alguna vez: ¿y si obra pudiera seguir generando ingresos sin que tenga que pintar una sola pincelada más? La respuesta existe, lleva años funcionando en el mundo del arte contemporáneo y está llegando con fuerza al ámbito del arte religioso. Se llama impresión bajo demanda, o print on demand en inglés, y es precisamente uno de los servicios que Divinia.art está poniendo al alcance de los artistas y cofradías de España, Hispanoamérica y América del Norte.

Qué es la impresión bajo demanda y por qué está cambiando el mercado del arte
La impresión bajo demanda es un modelo en el que el artista sube una imagen de alta resolución de su obra a una plataforma, y esa plataforma se encarga de todo lo demás: imprimir, envasar y enviar la reproducción al comprador cada vez que alguien realiza un pedido. El artista no necesita fabricar nada por adelantado, no necesita almacenar stock, no necesita gestionar logística ni tratar con empresas de mensajería. Solo tiene que crear la obra, subirla una vez, y a partir de ahí el sistema trabaja por él.

El modelo lleva años consolidado en el mercado anglosajón y los números hablan por sí solos. El mercado global de impresión bajo demanda alcanzó aproximadamente 11.000 millones de dólares en 2025 y crece a una tasa anual del 23,6%, según datos de Shopify. Es uno de los sectores de comercio digital con mayor expansión sostenida, precisamente porque resuelve el problema eterno del artista independiente: cómo vender sin asumir el riesgo de producir por adelantado.

Para el arte religioso y sacro, sin embargo, este modelo ha tardado en llegar de forma especializada. Hasta ahora, un pintor de imaginería devocional, un ilustrador de iconografía o un artista especializado en escenas bíblicas tenía que acudir a plataformas generalistas donde su obra competía en el mismo escaparate que camisetas de diseño gráfico o fotografías de paisajes. Sin contexto, sin audiencia afín, sin las condiciones que el arte sacro merece.

Cómo funciona en la práctica el sistema de Impresiones: del lienzo a la pared del comprador
El proceso es sencillo y, una vez configurado, prácticamente automático. El artista digitaliza su obra en alta resolución, la sube a la plataforma, elige los formatos disponibles —láminas en papel de calidad, lienzos tensados, enmarcados, tarjetas devocionales— y fija el precio de venta. A partir de ese momento, cuando un comprador en México, en Argentina, en Estados Unidos o en España decide adquirir una reproducción, la plataforma recibe el pedido, lo imprime con los estándares de calidad acordados, lo envía directamente al domicilio del comprador y transfiere al artista su parte del beneficio.

El artista no interviene en ningún momento de ese proceso. No hay facturas de materiales, no hay visitas a la oficina de correos, no hay embalajes que preparar. El trabajo ya está hecho. Lo que queda es la obra, convertida en un activo digital que puede generar ingresos de manera indefinida.

Divinia.art: impresión bajo demanda de arte sacro para el mundo hispanohablante
https://divinia.art/ la plataforma especializada en arte sacro y música religiosa que en su primer mes ya superó los 300 artistas suscritos procedentes de España, Latinoamérica y Estados Unidos, incluye entre sus servicios un sistema de impresión bajo demanda diseñado específicamente para el mercado hispanohablante, con distribución que abarca toda Hispanoamérica y América del Norte.

Esto significa que un artista sevillano especializado en pasos de Semana Santa, un escultor mexicano de arte devocional o un ilustrador argentino de iconografía mariana puede subir su obra a Divinia.art una sola vez y acceder a compradores en decenas de países sin necesidad de gestionar nada. La plataforma se encarga de la impresión, el envío y el cobro, y el artista recibe su comisión.

La diferencia respecto a plataformas generalistas es fundamental. En Divinia.art, quien llega a la obra del artista ya es un comprador potencial cualificado: alguien que busca arte sacro, que valora la iconografía religiosa, que quiere decorar su hogar o su parroquia con una reproducción de calidad. No hay ruido. No hay algoritmos de entretenimiento masivo que decidan si la obra merece visibilidad ese día. La audiencia ya está ahí y ya sabe lo que busca.

Impresiones: una oportunidad también para cofradías, hermandades e iglesias y su patrimonio artístico
El sistema de impresión bajo demanda no está pensado únicamente para artistas individuales. Las cofradías y hermandades y las propias iglesias custodian un patrimonio visual de enorme riqueza: imágenes titulares, pasos, bordados históricos, carteles de Semana Santa, escudos heráldicos, diseños devocionales con siglos de historia, retablos, etc. Toda esa iconografía puede convertirse en una fuente de ingresos adicionales para la hermandad sin ninguna inversión inicial.

Una cofradía que suba a https://divinia.art/ fotografías de alta calidad de su imaginería, sus enseres o sus carteles históricos puede ofrecer reproducciones de esas imágenes a sus hermanos y devotos de todo el mundo, generando recursos que pueden destinarse a restauración, a actividades formativas o simplemente a sostener la vida ordinaria de la hermandad. El patrimonio artístico de una cofradía deja de ser solo un bien que se conserva y se convierte también en un bien que trabaja. Y lo mismo puede decirse del patrimonio de las iglesias y templos.

Por qué la impresión bajo demanda es el futuro del arte religioso independiente
El modelo resuelve de una vez tres problemas que han limitado históricamente la difusión y la sostenibilidad económica del arte sacro contemporáneo.

El primero es el riesgo económico. Producir reproducciones en serie implica inversión anticipada, gestión de stock y riesgo de pérdidas si las ventas no responden. La impresión bajo demanda elimina ese riesgo completamente: no se produce nada hasta que hay un pedido real.

El segundo es la barrera geográfica. Un artista con taller en Córdoba no puede llegar fácilmente a un devoto en Guadalajara o en Los Ángeles que querría tener su obra en casa. Con un sistema de distribución global integrado en la plataforma, esa barrera desaparece.

El tercero es el tiempo. Un artista que gestiona su propio negocio de reproducciones dedica horas a tareas administrativas y logísticas que le restan tiempo para crear. La impresión bajo demanda devuelve ese tiempo al artista, que puede centrarse en lo que realmente sabe y quiere hacer: pintar, esculpir, ilustrar.

Cómo subir impresiones y empezar en https://divinia.art/
El acceso a Divinia.art es gratuito. Cualquier artista, independientemente de su reconocimiento o trayectoria, puede crear su perfil, subir sus obras y activar el sistema de impresión bajo demanda para empezar a vender reproducciones en el mercado hispanohablante y norteamericano. Lo mismo aplica a cofradías, hermandades, iglesias y fundaciones que quieran poner en valor su patrimonio artístico.

El arte sacro lleva siglos creando belleza, comunidad y sentido. Ahora también puede crear, con muy poco esfuerzo adicional, una fuente de ingresos sostenida que ayude a quienes lo crean a seguir haciéndolo.

Entrar en divinia.art y descubrir lo que esa obra puede hacer mientras se dedica a crear la siguiente.

Sale a subasta un Tàpies inédito: el retrato que unió al pintor con el universo de Joan Brossa

Thu, 09 Apr 2026 09:55:41 +0200

El mercado del arte internacional pone sus ojos en Barcelona ante la aparición de una pieza excepcional de Antoni Tàpies. La plataforma Subasta Real ha anunciado la salida a la venta de "Retrat" (1952), una obra de la etapa figurativa del genio catalán que no solo destaca por su impecable factura técnica, sino por una intrahistoria que la vincula directamente con la vanguardia más pura de la posguerra española.

Un hallazgo entre bambalinas
A diferencia de las piezas matéricas que consolidaron la fama mundial de Tàpies, este óleo sobre tela de 72 x 60 cm traslada al espectador a un momento de efervescencia creativa compartida. La obra fue ejecutada durante la representación de la pieza teatral de Joan Brossa, "Esquerdes, parracs i enderrocs esberlant la figura", capturando la esencia de la actriz Josefa Miralles.

El cuadro, que muestra a una Miralles introspectiva y cargada de fuerza psicológica, fue un regalo personal del propio Tàpies a la actriz con motivo de su boda, lo que otorga a la pieza una procedencia de un valor sentimental e histórico incalculable. Esta conexión directa entre el artista y la modelo, mediada por la figura de Brossa, convierte al lote en una oportunidad única para entender la simbiosis artística del grupo Dau al Set.

Garantía y valor de inversión
Para los coleccionistas más exigentes, la obra llega al mercado con todas las garantías de autenticidad. La pieza cuenta con el certificado firmado por Miquel Tàpies, quien fuera director de la Fundació Antoni Tàpies, y está debidamente catalogada en el archivo de la obra completa del artista bajo la referencia Mas T-7056.

"Estamos ante un Tàpies que habla del silencio y de la amistad. Es una obra que precede al muro y a la cruz, donde el artista demuestra un dominio magistral del retrato antes de lanzarse a la abstracción matérica", señalan expertos de Subasta Real.

Una oportunidad estratégica
La aparición de obras de este periodo y con esta documentación en el mercado secundario es cada vez más escasa. "Retrat" representa no solo una inversión financiera sólida, sino la posibilidad de poseer un fragmento de la historia viva de Barcelona.

La subasta se llevará a cabo a través del portal Subasta Real, donde los interesados podrán consultar la ficha técnica completa y participar en la puja por esta joya de la modernidad española.

El universo de Edgar Plans llega a la porcelana de Lladró

Wed, 25 Mar 2026 14:00:14 +0100

Lladró presenta My Little Artists Collection, la primera colaboración de la marca con el artista visual español Edgar Plans. El proyecto se integra en Art Editions, la plataforma de arte contemporáneo de Lladró dedicada a la creación de series de autor en porcelana.

La colección nace desde la memoria personal, el dibujo y la imaginación. Propone un diálogo entre el universo creado por Plans y el saber hacer artesanal de la marca valenciana. Se concibe como un proyecto abierto, pensado para crecer y desarrollarse en el tiempo.

La primera edición está compuesta por 25 unidades de Juanin and his martian, y hace su debut mundial en Art Basel Hong Kong, los días 27, 28 y 29 de marzo. Se trata de una edición limitada que marca el inicio de la colección.

Con trazos de apariencia infantil y una paleta cromática cargada de simbolismo, el color funciona en la obra de Plans como un signo de esperanza frente a temas complejos. Influido por la ilustración y la literatura infantil, el dibujo se convierte en la base de su lenguaje visual, y también en el punto de partida de esta colaboración con Lladró.

Un lápiz con inspiración puede cambiar el universo.

La traslación de este universo a la porcelana pone de manifiesto la complejidad técnica y el saber hacer artesanal de Art Editions de Lladró. Cada pieza presenta una decoración única, entendida como una interpretación distinta dentro de un mismo relato: una idea que refuerza su carácter artístico y singular. Para la creación de Juanin and his martian se utilizan 24 moldes distintos para Juanin, de los que se obtienen 34 fragmentos, y 14 moldes para his martian, con 18 fragmentos adicionales. En total, cerca de 40 moldes permiten componer los 58 fragmentos que conforman esta obra.

Se aplican 26 colores diferentes a cada obra, combinados para la creación exclusiva de cada versión. Detalles como los ojos, las pupilas, el casco, la mochila, las zapatillas o los lápices refuerzan su carácter narrativo y artístico.

Como todas las creaciones de Lladró, las piezas pertenecientes a Art Editions son el resultado de un laborioso proceso de elaboración artesanal que tiene lugar, de principio a fin, en la sede central de la marca en Valencia.

Modigliani lidera la gran subasta internacional de Templum

Fri, 20 Feb 2026 10:06:26 +0100

Templum Fine Art Auctions presenta una de las subastas más ambiciosas de la temporada, que se realizara el dia 25 de febrero, reuniendo en Barcelona una cuidada selección de obras que abarcan desde el gótico tardío hasta el arte contemporáneo, con un precio de salida de piezas de gran relevancia histórica y sólido recorrido internacional.

Entre los lotes destacados figura un excepcional desnudo de Amedeo Modigliani, fechado hacia 1918 y perteneciente al célebre ciclo de nus realizados en el periodo de plena madurez del artista. La obra, procedente de colecciones europeas y acompañada de documentación y registros en los Archives Légales Amedeo Modigliani, se presenta como una de las piezas centrales de la subasta con un precio de salida de 2.5 Millones.

El arte del siglo XX está igualmente representado por un tríptico de Andy Warhol, Three Jackies (1964), perteneciente a la icónica serie dedicada a Jacqueline Kennedy tras el asesinato del presidente John F. Kennedy. La obra conserva una procedencia documentada desde los años setenta y mantiene vínculos directos con la primera Factory de Warhol en Nueva York, reforzando su relevancia histórica dentro del contexto del Pop Art.

La subasta incluye además una destacada pintura atribuida al Maestro de Guebwiller, activo en el ámbito renano a finales del siglo XV, ejemplo refinado del gótico internacional tardío; una vibrante escena vanguardista de Natalia Gontcharova, fechada en torno a 1912–1913, en pleno momento de experimentación de la artista dentro de las vanguardias rusas; así como una obra temprana de Théodore Géricault vinculada al estudio académico de modelos rubenianos, con un precio de 175.000€

Completan la selección piezas flamencas del siglo XVI, pintura catalana de finales del XIX y curiosidades históricas del siglo XIX, configurando un recorrido excepcional por distintos momentos clave de la historia del arte.

Con esta subasta, Templum Fine Art Auctions consolida su posicionamiento como una de las casas de subastas europeas con mayor proyección internacional, apostando por obras con procedencias claras, documentación sólida y un alto nivel de calidad artística.

La subasta se celebrará en Barcelona y estará abierta a participación presencial, telefónica y online.

Alacant Desperta redefine su estrategia y anuncia "AD GIRA": un viaje artístico por el corazón de los barrios de Alicante

Mon, 16 Feb 2026 09:25:14 +0100

El proyecto "GIRA" nace de una decisión asamblearia para poner en valor la red de colectivos y asociaciones que dan vida a Alicante. El objetivo principal es que la programación de cada evento se nutra de los propios artistas y la cultura del barrio anfitrión. Con esta transformación, AD busca:

Reapropiación cultural: Fomentar que los vecinos recuperen la vida artística de su entorno cercano.
Identidad y Cohesión: Aumentar el sentimiento de pertenencia al mostrar el talento que reside en las propias calles.
Sinergias vecinales: Crear vías de comunicación entre distintos barrios, invitando a asociaciones de una zona a participar en los eventos de otra.

"Somos diferentes en los detalles pero iguales en lo esencial", declaran desde AD. "Queremos celebrar que Alicante es un mosaico de historias y tradiciones que cobran vida en cada rincón", señalan desde el colectivo.

Primera parada: San Blas, sábado 28 de marzo
El pistoletazo de salida de esta "GIRA" tendrá lugar el próximo sábado 28 de marzo en la Plaza de San Blas. Será una jornada dedicada a celebrar la singularidad del barrio, con muestras culturales y actividades que pondrán en el centro el tejido asociativo local.

Tras este primer encuentro, el proyecto continuará su recorrido por:

La Florida (Plaza de la Viña): 30 de mayo.
Zona Norte: 24 de octubre.
Cierre: Posible evento final en el C.C. Las Cigarreras.

Alacant Desperta es un colectivo ciudadano horizontal y autogestionado que promueve la cultura de base sin jerarquías. No forma parte de la industria cultural comercial; su labor se basa en el esfuerzo desinteresado y el "amor al arte", reinvirtiendo todo lo recaudado en sus eventos en la creación de nuevos espacios de expresión libre. Alacant Desperta pone a disposición del público su página web: www.alacantdesperta.com

La obra de Ramón Lapayese en una emocionante exposición antológica

Thu, 12 Feb 2026 12:01:16 +0100

La Ciudad Complutense alberga, en una de sus mejores salas, una selección de la obra de Ramón Lapayese (1928-1994), para mostrar una selección de larga duración: 45 días, de enero a marzo de 2026.

La colección privada de Ramón Lapayese
Las obras que se muestran a los visitantes nunca han sido expuestas con esta intención curatorial tan especial, que incluye parte de su pintura de grande a medio formato: 24 pinturas al óleo y 12 esculturas en hierro y bronce. Se repasan los distintos periodos de producción del autor a lo largo de 40 años de trayectoria como creador artístico.

Una muy variada muestra, centrada en el expresionismo figurativo, en casos arquetípico, de Ramón Lapayese, junto a otros ejemplos de su mirada abstracta y en ocasiones cubista del conjunto de su producción. También, del academicismo temprano y el impresionismo de su etapa final.

Una exposición única. Se ofrece un mapa de recorrido, para no perder ni un detalle, conectar unas obras con otras y así hacerle una visita memorable al público. El sábado 14, el jueves 19 y el martes 24 se ofrecen visitas guiadas, a las 18:00 h.

Lo que comenta el comisario de la exposición, Joan Lluis Montané en la presentación del catálogo:

"Con el título de "Ramón Lapayese: Colección Privada" se presenta la exposición antológica del artista multidisciplinar Ramón Lapayese, creador plástico muy especial, singular e innovador de la segunda mitad del siglo XX. Fundamentalmente escultor, pintor y creador de obra gráfica (litografía, serigrafía, grabado, monotipos enriquecidos, pruebas de artista, técnicas mixtas, etc.), pero también autor de esmaltes, cerámica, fotografía, joyería, dibujo y obra monumental de grandes dimensiones repartida entre México, Miami y España.

Artista avanzado en su época, pero, a la vez austero, discreto y muy entregado a su labor de investigación plástica, trabaja no solo en diferentes disciplinas, sino también bajo distintos conceptos creativos a la vez, buscando fusiones, potenciando una manera de crear distinta y diferenciada de la mayor parte de los artistas de su época, lo que muestra su singular actitud libre dentro del mercado del arte internacional.

En esta exposición antológica de Ramón Lapayese podemos encontrar a un autor que hoy en día es poco conocido entre las generaciones actuales, pero cuya producción artística, además de ser de gran importancia, se halla repartida en innumerables países: EE.UU., Austria, Suecia, Noruega, Italia, Francia, España, Holanda, Bélgica, Alemania, México, Brasil, etc.

Se pueden contemplar 24 pinturas y 12 esculturas procedentes de su colección privada, de ahí el título de la muestra. Se trata de su obra más apreciada, que estuvo colgada decorando su casa y estudio, constituyendo una muestra completa de todas las etapas de su trayectoria".

Esta exposición es de vital importancia tanto para los conocedores de su arte como para el público en general porque las 24 pinturas, de gran formato, se presentan juntas por primera vez, exhibiendo su singularidad como artista.

Nuevos e inéditos canales: social media, camisetas, sudaderas y wearables
Además de su website www.ramonlapayese.com, con más de 800 imágenes, se han dedicado canales exclusivos a su obra en Facebook, Instagram y TikTok. Como novedad, se ha lanzado una flamante sección de tienda online, donde por primera vez se ponen a la venta camisetas y prendas textiles ("wearables") ilustradas con diseños inéditos de Ramón Lapayese. A través de la marca Expressionistees, estas piezas proceden de bocetos, dibujos, técnicas mixtas sobre papel y óleos digitalizados, optimizados para su impresión en soportes textiles.

Este despliegue expositivo y digital refuerza la proyección contemporánea de Ramón Lapayese, acercando su obra a nuevas generaciones y expandiendo sus posibilidades de acceso y disfrute a través de formatos innovadores. En la actualidad, se está preparando una biografía monográfica que estará editada al público en los próximos meses.

Declaraciones del artista y reflexiones sobre su arte y su estilo
"He recorrido diversos estilos, pero nunca he sido seguidor fiel de ninguna moda; siempre he estado un poco fuera de lugar".

"Mi obra es fundamentalmente figurativa con un expresionismo impresionista; es una pintura muy libre dentro de la figuración, a la que yo añado una interpretación muy personal".

Acerca de Ramón Lapayese
Se trata de un artista que se preparó para la profesión desde un concepto tan amplio como diverso. De ahí que su obra escultórica, pictórica, sus grabados y murales hayan sido reconocidos y conformen un discurso consecuente con su formación y su cultura.

Exposiciones, premios y reconocimientos de Ramón Lapayese
Ramón Lapayese protagonizó más de 70 exposiciones individuales y participó en más de 120 exposiciones colectivas.

Hay obra suya en España, Francia, Bélgica, Alemania, Suiza, Italia, Holanda, Dinamarca, Suecia, Gran Bretaña, Estados Unidos, Argentina, Colombia, Perú, México, Japón, Marruecos, etc.

1950 Premio de escultura. Círculo de Bellas Artes, Madrid.

1955 Premio de escultura. Concurso Nacional de la Federación Española de Fútbol.

1957 III Medalla Exposición Nacional de Bellas Artes. Escultura.

1962 Premio «Nueva York» de pintura, París.

1963 Medalla de oro especial (escultura). II Bienal de Zaragoza.

1969 Premio del Excmo. Ayuntamiento. VII Concurso de Pintura Ciudad de Tarrasa.

1970 Premio de pintura Barón de Güell. Artesport, Bilbao.

1970 II Premio de escultura. Exposición Nacional de Arte Contemporáneo, Madrid.

Otros sitios donde ver su obra (acceso público libre, escultura, Madrid)
Friso del edificio en Avenida de Pio XII, 83: Fragata, 1968 (altorrelieve cubista en hierro, hormigón y piedra de Colmenar de 24 x 3,5 m).

Jardines en la Universidad Carlos III de Leganés: Profeta (escultura en bronce de casi 4 metros)/Maleante (escultura en soldadura de hierro a tamaño natural).

Tienda de wearables: https://expressionistees.myspreadshop.es

Kit de prensa: https://ramonlapayese.com/kit-de-prensa/