Notas de prensa - El primer blog de notas de prensa y comunicados de prensa

Basilea: cuando el arte deja el museo y se convierte en ciudad

Fri, 08 May 2026 09:00:58 +0200

En Basilea, basta cruzar un puente sobre el Rin para cambiar de siglo. Literalmente. De un lado, las colecciones que han definido la historia del arte europeo; del otro, edificios que parecen adelantarse a lo que está por venir.

Esa convivencia —tan natural que casi pasa desapercibida— es lo que ha convertido a la ciudad suiza en uno de los enclaves culturales más singulares de Europa. Con más de 40 museos en un entorno urbano relativamente pequeño, Basilea concentra una densidad cultural poco habitual, reforzada además por el impacto internacional de Art Basel, que cada año la sitúa en el centro del circuito artístico global.

Aquí el arte no se organiza en un único recorrido. Ni falta que hace. Aparece, se cruza, cambia de escala. A veces está en una sala, otras veces en un edificio entero.

Instituciones como el Kunstmuseum, uno de los más antiguos del continente, o la Fondation Beyeler, donde la arquitectura de Renzo Piano acompaña a algunas de las piezas clave del arte moderno, forman parte de ese mismo tejido. No funcionan como paradas aisladas, sino como partes de algo más amplio.

Y luego está el Vitra Campus. A pocos kilómetros del centro, pero en otra lógica. Lo que fue un espacio industrial se ha convertido en un conjunto de edificios firmados por arquitectos como Herzog & de Meuron o Frank Gehry. Aquí no se entra a ver "una colección". Se camina, se observa, se va entendiendo poco a poco. Casi sin darte cuenta.

Es en ese paso —del cuadro al espacio, del museo a la arquitectura— donde Basilea se vuelve especialmente interesante.

Esa forma de moverse por la ciudad es también la que empieza a trasladarse a algunos viajes culturales. Menos itinerarios cerrados, más lectura del lugar.

En esa línea se sitúa la propuesta desarrollada por Mundo Amigo, que plantea Basilea no tanto como una sucesión de visitas, sino como un recorrido que se va construyendo a medida que se avanza.

"Basilea no es una ciudad que se pueda entender a través de visitas aisladas. Tiene sentido cuando empiezas a ver cómo se relacionan entre sí los museos, la arquitectura y el contexto en el que están. Ahí es donde el viaje cambia", explica Mikel González.

A esa mirada se suma también la de Natalia Núñez, historiadora del arte y creadora del proyecto digital Parte del Arte, desde el que acerca obras y movimientos artísticos a una audiencia amplia con un lenguaje más directo.

Durante el recorrido, su papel no es tanto guiar como acompañar desde otra perspectiva: abrir conversaciones, conectar ideas, proponer lecturas que no siempre están en los textos de sala. Una forma distinta de acercarse al arte que no sustituye a la mirada académica, pero sí la amplía.

En Basilea, todo eso encaja. Porque el arte no está en un solo sitio. Está en cómo se relacionan las cosas entre sí. Y ahí es donde el viaje deja de ser solo un recorrido para convertirse en otra cosa.

Divinia.art ofrece impresión bajo demanda de arte religioso

Tue, 21 Apr 2026 10:50:06 +0200

Existe una pregunta que muchos artistas especializados en arte sacro se han hecho alguna vez: ¿y si obra pudiera seguir generando ingresos sin que tenga que pintar una sola pincelada más? La respuesta existe, lleva años funcionando en el mundo del arte contemporáneo y está llegando con fuerza al ámbito del arte religioso. Se llama impresión bajo demanda, o print on demand en inglés, y es precisamente uno de los servicios que Divinia.art está poniendo al alcance de los artistas y cofradías de España, Hispanoamérica y América del Norte.

Qué es la impresión bajo demanda y por qué está cambiando el mercado del arte
La impresión bajo demanda es un modelo en el que el artista sube una imagen de alta resolución de su obra a una plataforma, y esa plataforma se encarga de todo lo demás: imprimir, envasar y enviar la reproducción al comprador cada vez que alguien realiza un pedido. El artista no necesita fabricar nada por adelantado, no necesita almacenar stock, no necesita gestionar logística ni tratar con empresas de mensajería. Solo tiene que crear la obra, subirla una vez, y a partir de ahí el sistema trabaja por él.

El modelo lleva años consolidado en el mercado anglosajón y los números hablan por sí solos. El mercado global de impresión bajo demanda alcanzó aproximadamente 11.000 millones de dólares en 2025 y crece a una tasa anual del 23,6%, según datos de Shopify. Es uno de los sectores de comercio digital con mayor expansión sostenida, precisamente porque resuelve el problema eterno del artista independiente: cómo vender sin asumir el riesgo de producir por adelantado.

Para el arte religioso y sacro, sin embargo, este modelo ha tardado en llegar de forma especializada. Hasta ahora, un pintor de imaginería devocional, un ilustrador de iconografía o un artista especializado en escenas bíblicas tenía que acudir a plataformas generalistas donde su obra competía en el mismo escaparate que camisetas de diseño gráfico o fotografías de paisajes. Sin contexto, sin audiencia afín, sin las condiciones que el arte sacro merece.

Cómo funciona en la práctica el sistema de Impresiones: del lienzo a la pared del comprador
El proceso es sencillo y, una vez configurado, prácticamente automático. El artista digitaliza su obra en alta resolución, la sube a la plataforma, elige los formatos disponibles —láminas en papel de calidad, lienzos tensados, enmarcados, tarjetas devocionales— y fija el precio de venta. A partir de ese momento, cuando un comprador en México, en Argentina, en Estados Unidos o en España decide adquirir una reproducción, la plataforma recibe el pedido, lo imprime con los estándares de calidad acordados, lo envía directamente al domicilio del comprador y transfiere al artista su parte del beneficio.

El artista no interviene en ningún momento de ese proceso. No hay facturas de materiales, no hay visitas a la oficina de correos, no hay embalajes que preparar. El trabajo ya está hecho. Lo que queda es la obra, convertida en un activo digital que puede generar ingresos de manera indefinida.

Divinia.art: impresión bajo demanda de arte sacro para el mundo hispanohablante
https://divinia.art/ la plataforma especializada en arte sacro y música religiosa que en su primer mes ya superó los 300 artistas suscritos procedentes de España, Latinoamérica y Estados Unidos, incluye entre sus servicios un sistema de impresión bajo demanda diseñado específicamente para el mercado hispanohablante, con distribución que abarca toda Hispanoamérica y América del Norte.

Esto significa que un artista sevillano especializado en pasos de Semana Santa, un escultor mexicano de arte devocional o un ilustrador argentino de iconografía mariana puede subir su obra a Divinia.art una sola vez y acceder a compradores en decenas de países sin necesidad de gestionar nada. La plataforma se encarga de la impresión, el envío y el cobro, y el artista recibe su comisión.

La diferencia respecto a plataformas generalistas es fundamental. En Divinia.art, quien llega a la obra del artista ya es un comprador potencial cualificado: alguien que busca arte sacro, que valora la iconografía religiosa, que quiere decorar su hogar o su parroquia con una reproducción de calidad. No hay ruido. No hay algoritmos de entretenimiento masivo que decidan si la obra merece visibilidad ese día. La audiencia ya está ahí y ya sabe lo que busca.

Impresiones: una oportunidad también para cofradías, hermandades e iglesias y su patrimonio artístico
El sistema de impresión bajo demanda no está pensado únicamente para artistas individuales. Las cofradías y hermandades y las propias iglesias custodian un patrimonio visual de enorme riqueza: imágenes titulares, pasos, bordados históricos, carteles de Semana Santa, escudos heráldicos, diseños devocionales con siglos de historia, retablos, etc. Toda esa iconografía puede convertirse en una fuente de ingresos adicionales para la hermandad sin ninguna inversión inicial.

Una cofradía que suba a https://divinia.art/ fotografías de alta calidad de su imaginería, sus enseres o sus carteles históricos puede ofrecer reproducciones de esas imágenes a sus hermanos y devotos de todo el mundo, generando recursos que pueden destinarse a restauración, a actividades formativas o simplemente a sostener la vida ordinaria de la hermandad. El patrimonio artístico de una cofradía deja de ser solo un bien que se conserva y se convierte también en un bien que trabaja. Y lo mismo puede decirse del patrimonio de las iglesias y templos.

Por qué la impresión bajo demanda es el futuro del arte religioso independiente
El modelo resuelve de una vez tres problemas que han limitado históricamente la difusión y la sostenibilidad económica del arte sacro contemporáneo.

El primero es el riesgo económico. Producir reproducciones en serie implica inversión anticipada, gestión de stock y riesgo de pérdidas si las ventas no responden. La impresión bajo demanda elimina ese riesgo completamente: no se produce nada hasta que hay un pedido real.

El segundo es la barrera geográfica. Un artista con taller en Córdoba no puede llegar fácilmente a un devoto en Guadalajara o en Los Ángeles que querría tener su obra en casa. Con un sistema de distribución global integrado en la plataforma, esa barrera desaparece.

El tercero es el tiempo. Un artista que gestiona su propio negocio de reproducciones dedica horas a tareas administrativas y logísticas que le restan tiempo para crear. La impresión bajo demanda devuelve ese tiempo al artista, que puede centrarse en lo que realmente sabe y quiere hacer: pintar, esculpir, ilustrar.

Cómo subir impresiones y empezar en https://divinia.art/
El acceso a Divinia.art es gratuito. Cualquier artista, independientemente de su reconocimiento o trayectoria, puede crear su perfil, subir sus obras y activar el sistema de impresión bajo demanda para empezar a vender reproducciones en el mercado hispanohablante y norteamericano. Lo mismo aplica a cofradías, hermandades, iglesias y fundaciones que quieran poner en valor su patrimonio artístico.

El arte sacro lleva siglos creando belleza, comunidad y sentido. Ahora también puede crear, con muy poco esfuerzo adicional, una fuente de ingresos sostenida que ayude a quienes lo crean a seguir haciéndolo.

Entrar en divinia.art y descubrir lo que esa obra puede hacer mientras se dedica a crear la siguiente.

Sale a subasta un Tàpies inédito: el retrato que unió al pintor con el universo de Joan Brossa

Thu, 09 Apr 2026 09:55:41 +0200

El mercado del arte internacional pone sus ojos en Barcelona ante la aparición de una pieza excepcional de Antoni Tàpies. La plataforma Subasta Real ha anunciado la salida a la venta de "Retrat" (1952), una obra de la etapa figurativa del genio catalán que no solo destaca por su impecable factura técnica, sino por una intrahistoria que la vincula directamente con la vanguardia más pura de la posguerra española.

Un hallazgo entre bambalinas
A diferencia de las piezas matéricas que consolidaron la fama mundial de Tàpies, este óleo sobre tela de 72 x 60 cm traslada al espectador a un momento de efervescencia creativa compartida. La obra fue ejecutada durante la representación de la pieza teatral de Joan Brossa, "Esquerdes, parracs i enderrocs esberlant la figura", capturando la esencia de la actriz Josefa Miralles.

El cuadro, que muestra a una Miralles introspectiva y cargada de fuerza psicológica, fue un regalo personal del propio Tàpies a la actriz con motivo de su boda, lo que otorga a la pieza una procedencia de un valor sentimental e histórico incalculable. Esta conexión directa entre el artista y la modelo, mediada por la figura de Brossa, convierte al lote en una oportunidad única para entender la simbiosis artística del grupo Dau al Set.

Garantía y valor de inversión
Para los coleccionistas más exigentes, la obra llega al mercado con todas las garantías de autenticidad. La pieza cuenta con el certificado firmado por Miquel Tàpies, quien fuera director de la Fundació Antoni Tàpies, y está debidamente catalogada en el archivo de la obra completa del artista bajo la referencia Mas T-7056.

"Estamos ante un Tàpies que habla del silencio y de la amistad. Es una obra que precede al muro y a la cruz, donde el artista demuestra un dominio magistral del retrato antes de lanzarse a la abstracción matérica", señalan expertos de Subasta Real.

Una oportunidad estratégica
La aparición de obras de este periodo y con esta documentación en el mercado secundario es cada vez más escasa. "Retrat" representa no solo una inversión financiera sólida, sino la posibilidad de poseer un fragmento de la historia viva de Barcelona.

La subasta se llevará a cabo a través del portal Subasta Real, donde los interesados podrán consultar la ficha técnica completa y participar en la puja por esta joya de la modernidad española.

El universo de Edgar Plans llega a la porcelana de Lladró

Wed, 25 Mar 2026 14:00:14 +0100

Lladró presenta My Little Artists Collection, la primera colaboración de la marca con el artista visual español Edgar Plans. El proyecto se integra en Art Editions, la plataforma de arte contemporáneo de Lladró dedicada a la creación de series de autor en porcelana.

La colección nace desde la memoria personal, el dibujo y la imaginación. Propone un diálogo entre el universo creado por Plans y el saber hacer artesanal de la marca valenciana. Se concibe como un proyecto abierto, pensado para crecer y desarrollarse en el tiempo.

La primera edición está compuesta por 25 unidades de Juanin and his martian, y hace su debut mundial en Art Basel Hong Kong, los días 27, 28 y 29 de marzo. Se trata de una edición limitada que marca el inicio de la colección.

Con trazos de apariencia infantil y una paleta cromática cargada de simbolismo, el color funciona en la obra de Plans como un signo de esperanza frente a temas complejos. Influido por la ilustración y la literatura infantil, el dibujo se convierte en la base de su lenguaje visual, y también en el punto de partida de esta colaboración con Lladró.

Un lápiz con inspiración puede cambiar el universo.

La traslación de este universo a la porcelana pone de manifiesto la complejidad técnica y el saber hacer artesanal de Art Editions de Lladró. Cada pieza presenta una decoración única, entendida como una interpretación distinta dentro de un mismo relato: una idea que refuerza su carácter artístico y singular. Para la creación de Juanin and his martian se utilizan 24 moldes distintos para Juanin, de los que se obtienen 34 fragmentos, y 14 moldes para his martian, con 18 fragmentos adicionales. En total, cerca de 40 moldes permiten componer los 58 fragmentos que conforman esta obra.

Se aplican 26 colores diferentes a cada obra, combinados para la creación exclusiva de cada versión. Detalles como los ojos, las pupilas, el casco, la mochila, las zapatillas o los lápices refuerzan su carácter narrativo y artístico.

Como todas las creaciones de Lladró, las piezas pertenecientes a Art Editions son el resultado de un laborioso proceso de elaboración artesanal que tiene lugar, de principio a fin, en la sede central de la marca en Valencia.

Modigliani lidera la gran subasta internacional de Templum

Fri, 20 Feb 2026 10:06:26 +0100

Templum Fine Art Auctions presenta una de las subastas más ambiciosas de la temporada, que se realizara el dia 25 de febrero, reuniendo en Barcelona una cuidada selección de obras que abarcan desde el gótico tardío hasta el arte contemporáneo, con un precio de salida de piezas de gran relevancia histórica y sólido recorrido internacional.

Entre los lotes destacados figura un excepcional desnudo de Amedeo Modigliani, fechado hacia 1918 y perteneciente al célebre ciclo de nus realizados en el periodo de plena madurez del artista. La obra, procedente de colecciones europeas y acompañada de documentación y registros en los Archives Légales Amedeo Modigliani, se presenta como una de las piezas centrales de la subasta con un precio de salida de 2.5 Millones.

El arte del siglo XX está igualmente representado por un tríptico de Andy Warhol, Three Jackies (1964), perteneciente a la icónica serie dedicada a Jacqueline Kennedy tras el asesinato del presidente John F. Kennedy. La obra conserva una procedencia documentada desde los años setenta y mantiene vínculos directos con la primera Factory de Warhol en Nueva York, reforzando su relevancia histórica dentro del contexto del Pop Art.

La subasta incluye además una destacada pintura atribuida al Maestro de Guebwiller, activo en el ámbito renano a finales del siglo XV, ejemplo refinado del gótico internacional tardío; una vibrante escena vanguardista de Natalia Gontcharova, fechada en torno a 1912–1913, en pleno momento de experimentación de la artista dentro de las vanguardias rusas; así como una obra temprana de Théodore Géricault vinculada al estudio académico de modelos rubenianos, con un precio de 175.000€

Completan la selección piezas flamencas del siglo XVI, pintura catalana de finales del XIX y curiosidades históricas del siglo XIX, configurando un recorrido excepcional por distintos momentos clave de la historia del arte.

Con esta subasta, Templum Fine Art Auctions consolida su posicionamiento como una de las casas de subastas europeas con mayor proyección internacional, apostando por obras con procedencias claras, documentación sólida y un alto nivel de calidad artística.

La subasta se celebrará en Barcelona y estará abierta a participación presencial, telefónica y online.

Alacant Desperta redefine su estrategia y anuncia "AD GIRA": un viaje artístico por el corazón de los barrios de Alicante

Mon, 16 Feb 2026 09:25:14 +0100

El proyecto "GIRA" nace de una decisión asamblearia para poner en valor la red de colectivos y asociaciones que dan vida a Alicante. El objetivo principal es que la programación de cada evento se nutra de los propios artistas y la cultura del barrio anfitrión. Con esta transformación, AD busca:

Reapropiación cultural: Fomentar que los vecinos recuperen la vida artística de su entorno cercano.
Identidad y Cohesión: Aumentar el sentimiento de pertenencia al mostrar el talento que reside en las propias calles.
Sinergias vecinales: Crear vías de comunicación entre distintos barrios, invitando a asociaciones de una zona a participar en los eventos de otra.

"Somos diferentes en los detalles pero iguales en lo esencial", declaran desde AD. "Queremos celebrar que Alicante es un mosaico de historias y tradiciones que cobran vida en cada rincón", señalan desde el colectivo.

Primera parada: San Blas, sábado 28 de marzo
El pistoletazo de salida de esta "GIRA" tendrá lugar el próximo sábado 28 de marzo en la Plaza de San Blas. Será una jornada dedicada a celebrar la singularidad del barrio, con muestras culturales y actividades que pondrán en el centro el tejido asociativo local.

Tras este primer encuentro, el proyecto continuará su recorrido por:

La Florida (Plaza de la Viña): 30 de mayo.
Zona Norte: 24 de octubre.
Cierre: Posible evento final en el C.C. Las Cigarreras.

Alacant Desperta es un colectivo ciudadano horizontal y autogestionado que promueve la cultura de base sin jerarquías. No forma parte de la industria cultural comercial; su labor se basa en el esfuerzo desinteresado y el "amor al arte", reinvirtiendo todo lo recaudado en sus eventos en la creación de nuevos espacios de expresión libre. Alacant Desperta pone a disposición del público su página web: www.alacantdesperta.com

La obra de Ramón Lapayese en una emocionante exposición antológica

Thu, 12 Feb 2026 12:01:16 +0100

La Ciudad Complutense alberga, en una de sus mejores salas, una selección de la obra de Ramón Lapayese (1928-1994), para mostrar una selección de larga duración: 45 días, de enero a marzo de 2026.

La colección privada de Ramón Lapayese
Las obras que se muestran a los visitantes nunca han sido expuestas con esta intención curatorial tan especial, que incluye parte de su pintura de grande a medio formato: 24 pinturas al óleo y 12 esculturas en hierro y bronce. Se repasan los distintos periodos de producción del autor a lo largo de 40 años de trayectoria como creador artístico.

Una muy variada muestra, centrada en el expresionismo figurativo, en casos arquetípico, de Ramón Lapayese, junto a otros ejemplos de su mirada abstracta y en ocasiones cubista del conjunto de su producción. También, del academicismo temprano y el impresionismo de su etapa final.

Una exposición única. Se ofrece un mapa de recorrido, para no perder ni un detalle, conectar unas obras con otras y así hacerle una visita memorable al público. El sábado 14, el jueves 19 y el martes 24 se ofrecen visitas guiadas, a las 18:00 h.

Lo que comenta el comisario de la exposición, Joan Lluis Montané en la presentación del catálogo:

"Con el título de "Ramón Lapayese: Colección Privada" se presenta la exposición antológica del artista multidisciplinar Ramón Lapayese, creador plástico muy especial, singular e innovador de la segunda mitad del siglo XX. Fundamentalmente escultor, pintor y creador de obra gráfica (litografía, serigrafía, grabado, monotipos enriquecidos, pruebas de artista, técnicas mixtas, etc.), pero también autor de esmaltes, cerámica, fotografía, joyería, dibujo y obra monumental de grandes dimensiones repartida entre México, Miami y España.

Artista avanzado en su época, pero, a la vez austero, discreto y muy entregado a su labor de investigación plástica, trabaja no solo en diferentes disciplinas, sino también bajo distintos conceptos creativos a la vez, buscando fusiones, potenciando una manera de crear distinta y diferenciada de la mayor parte de los artistas de su época, lo que muestra su singular actitud libre dentro del mercado del arte internacional.

En esta exposición antológica de Ramón Lapayese podemos encontrar a un autor que hoy en día es poco conocido entre las generaciones actuales, pero cuya producción artística, además de ser de gran importancia, se halla repartida en innumerables países: EE.UU., Austria, Suecia, Noruega, Italia, Francia, España, Holanda, Bélgica, Alemania, México, Brasil, etc.

Se pueden contemplar 24 pinturas y 12 esculturas procedentes de su colección privada, de ahí el título de la muestra. Se trata de su obra más apreciada, que estuvo colgada decorando su casa y estudio, constituyendo una muestra completa de todas las etapas de su trayectoria".

Esta exposición es de vital importancia tanto para los conocedores de su arte como para el público en general porque las 24 pinturas, de gran formato, se presentan juntas por primera vez, exhibiendo su singularidad como artista.

Nuevos e inéditos canales: social media, camisetas, sudaderas y wearables
Además de su website www.ramonlapayese.com, con más de 800 imágenes, se han dedicado canales exclusivos a su obra en Facebook, Instagram y TikTok. Como novedad, se ha lanzado una flamante sección de tienda online, donde por primera vez se ponen a la venta camisetas y prendas textiles ("wearables") ilustradas con diseños inéditos de Ramón Lapayese. A través de la marca Expressionistees, estas piezas proceden de bocetos, dibujos, técnicas mixtas sobre papel y óleos digitalizados, optimizados para su impresión en soportes textiles.

Este despliegue expositivo y digital refuerza la proyección contemporánea de Ramón Lapayese, acercando su obra a nuevas generaciones y expandiendo sus posibilidades de acceso y disfrute a través de formatos innovadores. En la actualidad, se está preparando una biografía monográfica que estará editada al público en los próximos meses.

Declaraciones del artista y reflexiones sobre su arte y su estilo
"He recorrido diversos estilos, pero nunca he sido seguidor fiel de ninguna moda; siempre he estado un poco fuera de lugar".

"Mi obra es fundamentalmente figurativa con un expresionismo impresionista; es una pintura muy libre dentro de la figuración, a la que yo añado una interpretación muy personal".

Acerca de Ramón Lapayese
Se trata de un artista que se preparó para la profesión desde un concepto tan amplio como diverso. De ahí que su obra escultórica, pictórica, sus grabados y murales hayan sido reconocidos y conformen un discurso consecuente con su formación y su cultura.

Exposiciones, premios y reconocimientos de Ramón Lapayese
Ramón Lapayese protagonizó más de 70 exposiciones individuales y participó en más de 120 exposiciones colectivas.

Hay obra suya en España, Francia, Bélgica, Alemania, Suiza, Italia, Holanda, Dinamarca, Suecia, Gran Bretaña, Estados Unidos, Argentina, Colombia, Perú, México, Japón, Marruecos, etc.

1950 Premio de escultura. Círculo de Bellas Artes, Madrid.

1955 Premio de escultura. Concurso Nacional de la Federación Española de Fútbol.

1957 III Medalla Exposición Nacional de Bellas Artes. Escultura.

1962 Premio «Nueva York» de pintura, París.

1963 Medalla de oro especial (escultura). II Bienal de Zaragoza.

1969 Premio del Excmo. Ayuntamiento. VII Concurso de Pintura Ciudad de Tarrasa.

1970 Premio de pintura Barón de Güell. Artesport, Bilbao.

1970 II Premio de escultura. Exposición Nacional de Arte Contemporáneo, Madrid.

Otros sitios donde ver su obra (acceso público libre, escultura, Madrid)
Friso del edificio en Avenida de Pio XII, 83: Fragata, 1968 (altorrelieve cubista en hierro, hormigón y piedra de Colmenar de 24 x 3,5 m).

Jardines en la Universidad Carlos III de Leganés: Profeta (escultura en bronce de casi 4 metros)/Maleante (escultura en soldadura de hierro a tamaño natural).

Tienda de wearables: https://expressionistees.myspreadshop.es

Kit de prensa: https://ramonlapayese.com/kit-de-prensa/

Nueva exposición solidaria de JJCuper en Max Center Barakaldo

Wed, 11 Feb 2026 09:01:17 +0100

Max Center Barakaldo acoge la tercera exposición solidaria "Inaccesible al desaliento III", que se puede visitar hasta el 31 de marzo. Se trata de una nueva muestra de obras realizadas por JJCuper a partir de materiales reciclados.

La iniciativa tiene como objetivo recaudar fondos, destinando el 100 % de los beneficios a cinco entidades: el Club de baloncesto femenino de Barakaldo, la Asociación Enfermos Renales ALCER Bizkaia, la Federación vizcaína de Deporte Adaptado, la Asociación de cooperación ADECO y la Asociación Parkinson Bizkaia ASPARBI.

La exposición se encuentra en la planta baja de Max Center, en el extremo opuesto del supermercado, y reúne más de sesenta obras de pequeño formato en técnica de collage. Son piezas que se sitúan en el contexto de la cotidianeidad, en el aquí y el ahora, invitando al espectador a reflexionar sobre cuestiones candentes de la actualidad incorporando el humor, la irreverencia y la reutilización de objetos cotidianos como elementos centrales.

A partir de pequeños objetos ordinarios y extraordinarios, que encuentran en estas obras una nueva vida y forma de expresión, JJCuper aporta su visión del mundo cotidiano, creando imágenes simbólicas que sorprenden por su singularidad. Muchos de los cuadros integran mensajes de inspiración, de intencionalidad o de movilización que pretenden motivar la reflexión en quien los contempla.

La exposición de JJCuper es de entrada libre y puede visitarse de lunes a sábado, de 10:00 a 22:00 horas, hasta el cierre de la exposición el 31 de marzo.

Lo artesano al servicio de lo solidario
Studio JJCuper presenta una propuesta innovadora que busca hacer partícipe al observador de la obra, transformando piezas personalizadas y cambiantes que pueden modificarse a lo largo del tiempo. Su finalidad es desinteresada, ya que su enfoque es solidario y siempre a beneficio de distintas causas sociales. Su máxima es ayudar desde el divertimento y el disfrute.

Su discurso se materializa en obras de pequeño formato, principalmente en cuadros, pero también en pequeñas esculturas, y se caracterizan por ser eclécticas y muy personales. Su producción se compone a partir de una amplia variedad de objetos y materiales: madera natural, materiales diversos y objetos cotidianos como clips o imanes, creando piezas que pueden cambiar de color, emitir sonido, moverse e incluso oler.

Además, realiza por encargo piezas totalmente personalizadas, que pueden incluir objetos personales como fotos o recuerdos.

Con esta exposición, JJCuper fusiona humor y creatividad artesana para fomentar la solidaridad social.

El vuelo interior de la artista dominicana Yubo Fernández triunfa en Madrid

Wed, 04 Feb 2026 09:02:48 +0100

La muestra trasciende el formato expositivo tradicional para convertirse en una experiencia sensorial que integra artes plásticas, música y alta costura, reafirmando la fuerza del talento dominicano en los principales escenarios culturales del mundo. La exhibición reúne treinta obras, entre lienzos de gran formato, esculturas monumentales y una pieza única de alta costura pintada a mano, creada en colaboración con la reconocida diseñadora dominicana Giannina Azar, acompañada de joyería en larimar de Gisselle Mancebo y una banda sonora original de jazz compuesta por el músico Luis McDougal.

Reconocida por la revista Forbes como una de las mujeres más poderosas de la República Dominicana, Yubo Fernández llega a la capital española tras una destacada trayectoria internacional que incluye exhibiciones en Nueva York y Corea, consolidándose como una de las artistas dominicanas con mayor proyección en el arte contemporáneo. Su obra se caracteriza por una exploración constante de universos paralelos que dialogan entre sí, guiados por la intuición, el movimiento y una identidad caribeña profundamente marcada.

El prestigio de la exposición se ve reforzado por el reconocimiento institucional y artístico: dos de las obras presentadas han sido pre-seleccionadas para optar al Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura, uno de los galardones más relevantes del ámbito artístico iberoamericano.

'Cigua Palmera: Cartografía del vuelo' forma parte de una gira internacional que inició en Nueva York y que tiene en Madrid su primer destino europeo, antes de presentarse en Italia, Alemania y Bélgica, llevando consigo una visión contemporánea del arte dominicano al escenario global. La exposición estará abierta al público hasta el 15 de febrero de 2026 en el Hotel Meliá Casa de las Artes, ubicado en el número 83 de la madrileña calle Atocha.

Yubo Fernández describe así la exposición: "'Cigua Palmera: Cartografía del vuelo' es una exploración visual y espiritual, que toma como punto de partida el ave endémica de la República Dominicana. Esta especie, que no migra y habita profundamente el paisaje caribeño, se convierte en metáfora viva de un origen que permanece, de una identidad que resiste, de un ser que encuentra su territorio en sí mismo".

Acerca de Yubo Fernández
Yubo Fernández (República Dominicana, 1979) es una artista multidisciplinar cuya carrera se distingue por una evolución constante y una curiosidad creativa inagotable. Se formó en la Escuela de Altos de Chavón y es licenciada en Diseño de Interiores por la Universidad Complutense de Madrid. Su obra fusiona el arte abstracto y el pop art, con influencias de referentes como Andy Warhol, Jackson Pollock y Wassily Kandinsky, y una paleta cromática inspirada en la energía y el color del Caribe.

Además de su trayectoria en las artes visuales, Fernández ha desarrollado una reconocida carrera como cineasta y actriz, con nominaciones en festivales internacionales. Es miembro de la Asociación de Pintores y Escultores de España, y sus obras forman parte de importantes colecciones privadas y públicas a nivel internacional, posicionándola como una de las figuras más relevantes del arte dominicano contemporáneo.

La revelación artística Carmela Sidibé inaugura exposición en la emblemática Raima de Barcelona

Tue, 03 Feb 2026 09:46:48 +0100

La artista Carmela Sidibé, presenta su nueva colección en la cuarta planta de la prestigiosa papelería Raima. La exposición, que estará abierta al público hasta el próximo 13 de febrero, está generando un auténtico furor en la ciudad condal, con varias obras en la exposición ya adquiridas por coleccionistas que apuestan por la futura cotización de la artista.

De orígenes humildes y cosmopolitas, la pintora italiana se estableció en Barcelona hace dos años, inspirada por la belleza, las costumbres y el tejido social de la ciudad. Sin embargo, su trayectoria comenzó mucho antes: en Italia destacó a muy temprana edad, con apariciones en noticias televisivas y elegida entre un grupo muy selecto de artistas para pintar patrimonios del país.

Un escenario único: La muestra tiene lugar en un entorno inmejorable: Raima, la papelería más grande de Europa, situada en el corazón del Barrio Gótico (Carrer Comtal, 27). El espacio es conocido por su arquitectura sublime, su historia y su colección de artesanía global, convirtiendo la visita a la exposición de Sidibé en una experiencia cultural completa.

La evolución técnica y estilística de Sidibé en los últimos años ha sido notable, rompiendo moldes y atrayendo no solo a amantes del arte por la belleza estética de sus lienzos, sino también a inversores que ven en ella un valor seguro en alza.

La exposición se concibe como una inmersión en el mundo subconsciente y en las emociones inherentes a la naturaleza humana. Sidibé propone un viaje hacia el interior de la mente y el corazón en busca de respuestas y verdades difíciles de hallar. Así, sus piezas funcionan como herramientas de introspección y autoconocimiento: actúan como un espejo donde cada espectador puede ver reflejado su propio mundo interior.

Su concepción del arte trasciende los límites del lienzo tradicional. Sidibé ha expandido su universo creativo organizando talleres en Marruecos y Barcelona que fusionan la meditación con la expresión artística, colaborando estrechamente con reconocidas maestras de yoga para explorar la conexión entre creatividad y bienestar interior.

Esta profundidad conceptual se sustenta en una sólida formación académica que combina las artes figurativas, cursadas en Vicenza, con su licenciatura en Arquitectura por la Universidad de Venecia. Esta dualidad le otorga una capacidad expresiva única donde técnica y creatividad convergen. En su etapa en Barcelona, ha aplicado esta visión multidisciplinar ejerciendo como jefa de obra, siempre impulsada por el deseo de crear diseños sostenibles que mejoren la calidad de vida de las personas.